Los miserables es una novela del político, poeta y escritor francésVictor Hugo publicada en 1862, considerada como una de las obras más conocidas del siglo XIX. La novela, de estilo romántico, plantea a través de su argumento un razonamiento sobre el bien y el mal, sobre la ley, la política, la ética, la justicia y la religión. El autor confesó que se había inspirado en Vidocq, criminal francés que se redimió y acabó inaugurando la Policía Nacional francesa, para crear a los dos protagonistas y que la historia de su país le había inspirado para situar el contexto histórico: por ello, los personajes viven la Rebelión de junio (1830) y los posteriores cambios políticos. Además, el autor analiza los estereotipos de aquel momento y muestra su oposición a la pena de muerte. En su núcleo, al fin, la novela sirve como una defensa de los oprimidos sea cual sea el lugar o situación sociohistórica que vivan.
En Rafael Iglesias adapta la novela homónima de Víctor Hugo y el director Bille August la lleva a la pantalla grande. Fue protagonizada por Liam Neeson, Geoffrey Rush, Uma Thurman y Claire Danes.
Los miserables fue adaptada nuevamente en musical en febrero de 2012 y fue estrenada en España el 25 de diciembre de 2012. La película cuenta con un reparto coral encabezado por Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway y Amanda Seyfried. Completan el elenco Eddie Redmayne, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen y Samantha Barks.
La cinta está dirigida por el ganador del ÓscarTom Hooper, director de la premiada película El discurso del rey.
Un día se le plantó en su vida Eva a Adán y lo mismo le ocurrió a Eva y la vida en el paraíso nunca volvió a ser la misma. A Eva le daba por poner nombres a las cosas y a los animales. Una vez se empeñó en comparar unas cataratas con las del Niágara, sin saber por qué y Adán esta obcecado con lo absurdo de esa manía de comparar con cosas que no sabe lo que son, como eso de llamar peces a las criaturas del mar. Eva, por el contrario, afirmaba que los nombres le venían sin pensárselo, como el descubrimiento del fuego y que como eso le hería el orgullo a Adán, le preocupaba sobremanera que él se manifestara molesto. Eva se sentía triste, se sentía sola, se sentía maravillosamente feliz... y todos esos sentimientos también son hallazgos de Eva.
Mark Twain, muy lejos de romper los mitos que sitúan a las mujeres en Venus ya los hombres en Marte, acentúa de una forma sarcástica y divertida esos tópicos. No en vano, es un hombre del siglo XIX al que hay que agradecerle, por otro lado, que no nos haya condenado a las mujeres con la misma crueldad con lo que lo ha hecho la historia.
Mark Twain
"Dondequiera que ella estaba, allí estaba el Paraíso".
“Es mi oración y mi deseo que muramos juntos, un deseo que jamás morirá, sino que encontrará cobijo en el corazón de cualquier esposa amante hasta el fin de los tiempos y llevará mi nombre".
En El año de la muerte de Ricardo Reis, Saramago entabla un lance con Fernando Pessoa, convirtiéndose ambos en protagonistas de una de las narraciones más conmovedoras de la literatura de fin de siglo.
Un recorrido por la Lisboa de los años treinta, sus calles, parques, puentes y cafés, conducido por la palabra sabia y dulce de Saramago y acompañado por la sombra reconfortante de Pessoa, ambos cantores inmortales de la ciudad del Tajo, la ciudad de Eca de Queiroz y de Camoes.
Una novela que despliega ante el lector múltiples posibilidades de interpretación y que da a la prosa un encanto que se funde con el misterio de la palabra creadora, una obra que hubiera complacido, como los honra, a Fernando Pessoa, a Ricardo Reis, a Álvaro de Campos y a Alberto Caeiro por igual.
José Saramago
José Saramago nació en Azinhaga (Portugal) en 1922. Antes de responder a la llamada de la literatura trabajó en diversos oficios, desde cerrajero o mecánico, hasta editor. En 1947 publicó su primera novela, "Tierra de pecado", ahora reeditada en Portugal, coincidiendo con los cincuenta años de su aparición. Pese a las críticas estimulantes que entonces recibió, el autor decidió permanecer sin publicar más de veinte años porque, como él afirma ahora «quizá no tenía nada que decir». Sin embargo, a finales de los sesenta se presentó con dos libros de poemas: "Os poemas possiveis" y "Provavelmente alegría" (parte de un ciclo que completaría en 1975 con "O ano de 1993"). Puede que la demorada publicación de sus textos sea el motivo por el que numerosos críticos lo consideran un «autor tardío». Y quizá sea cierto, aunque ello en modo alguno vaya en contra de una cuestión mucho más importante: Saramago es dueño de un mundo propio, minuciosamente creado, libro a libro, y su obra lleva muchos años situándolo en el primer plano literario de su país. Ya sus primeras publicaciones en prosa -"Manual de pintura y caligrafía" (1977) y "Alzado del suelo" (1980),- lo acreditan como un autor de indiscutible originalidad, por su controvertida visión de la historia y de la cultura.
No obstante, la celebridad y el reconocimiento a escala internacional le llegan con la aparición en 1982 de su ya legendaria novela "Memorial del convento", a la que siguió "El año de la muerte de Ricardo Reis". En esta última, su precisa y sentimental indagación del universo de Fernando Pessoa -a través de uno de sus heterónimos- se convierte casi de inmediato en una obra «de culto», que cruza todas las fronteras. El trabajo narrativo de José Saramago goza desde entonces de una admiración sin límites, que cada nuevo título va confirmando: "La balsa de piedra" (1986), "Historia del cerco de Lisboa" (1989), "El evangelio según Jesucristo" (1991), "Casi un objeto" (1994), "Viaje a Portugal" (1995) o "Ensayo sobre la ceguera" (1996). Todos estos textos -que suscitan tantos elogios como reñidos debates- consagran a José Saramago como una de las principales figuras de la literatura de este siglo.
Distinguido por su labor con numerosos galardones y doctorados honoris causa (por las Universidades de Turín, Sevilla, Manchester, Castilla-La Mancha y Brasilia), José Saramago ha logrado compaginar sus viajes y su labor literaria con su amor a Lisboa y sus estancias en Lanzarote, lugares en los que reside alternativamente y donde lleva adelante su búsqueda artística de todo aquello que la historia no recoge, sustrayéndolo al conocimiento del hombre. Algo que señala con justificada reiteración en Cuadernos de Lanzarote, verdadera autobiografía espiritual donde Saramago subraya las líneas maestras que guían su escritura.
Ha recibido el Premio Camoes, equivalente al Premio Cervantes en los países de lengua portuguesa.
Su ultima novela, "Todos los nombres", ha figurado en las listas de los libros más vendidos desde su publicación durante el pasado mes de enero de 1998.
FERNANDO PESSOA
Fernando Antonio Nogueira Pessoa nació el 13 de junio del año 1888 en Lisboa (Portugal). Tras el fallecimiento a causa de la tuberculosis de su padre Joaquim, quien trabajaba como funcionario del Ministerio de Justicia y era crítico de música, el joven Pessoa vivió desde el año 1896 en una localidad de Sudáfrica llamada Durban, ya que su viuda madre, Maria Madalena Nogueira, se había casado en segundas nupcias con Joao Miguel Rosa, el cónsul portugués en la citada ciudad sudafricana.
En 1905 regresó a la capital portuguesa, en donde comenzó a estudiar Letras, carrera que abandonó a los dos años para trabajar como traductor.
En el año 1915 publicó algunos poemas en la revista "Orfeu".
En 1924 creó junto a Ruy Vaz su propia publicación, llamada "Atena", y poco después colaboró con la revista "Presença".
Respecto a su vida sentimental, Pessoa conoció en 1920 a Ophelia Queiroz, con quien inició una relación amorosa que terminó en el año 1931. Su estilo literaria se enmarca dentro del movimiento modernista, escribiendo tanto en inglés como en portugués, y destacando por la utilización de heterónimos con el afán de inculcar a sus textos diferentes perspectivas y estilos, empleando para ello personalidades ficticias e independientes como Bernardo Soares, Chevalier de Pas, Alexander Search, Alberto Caeiro, Alvaro de Campos o Ricardo Reis, con los que desarrolla variados enfoques de su talento literario. Cultivó la poesía y el ensayo, escribiendo la colección de poemas "Mensaje" (1934), su único libro publicado cuando estaba con vida al margen de sus escritos en las revistas citadas. También su pluma legó "Ultimatum" (1917), una obra en la cual se dedicaba a comentar el trabajo de algunos famosos literatos europeos.
Su título más popular, "El Libro Del Desasosiego" (1982), es una novela inacabada escrita en forma de diario que fue publicada después de su muerte.
Pessoa falleció en Lisboa el 30 de noviembre de 1935. Tenía 47 años.
"Yo, que en otro tiepo modulé mis cantos al son de humilde caramillo, y luego, saliendo de las selvas, hice que los campos vecinos obedeciesen los deseos del codicioso labrador, grato trabajo para los agricultores, ofrezco ahora mis versos al terrible Marte".
Así de sencillos, así de hermosos, son los primeros versos de La Eneida.
Inspirado en Homero (en los seis primeros cantos de La Odisea y en los seis últimos de La Ilíada) y a la leyenda del príncipe Eneas, este "poema didáctico" desarrolla la gran epopeya de la fundación de Roma, la apoteosis del Imperio.
De este modo, Virgilio, agricultor y poeta, quería ahondar en el alma de los italianos, hablándoles de la tierra con la ternura y la fuerza incontenibles de sus versos.
La Odisea es poema escrito en hexámetros griegos, y en él se narran las aventuras de Ulises, rey de Ítaca, a su regreso de la guerra de Troya. Son célebres los episodios del cíclope Polifemo, de la hechicera Circe, de la ninfa Calipso, de Nausica y la llegada de Ulises a su patria, con el encuentro de Telémaco, la muerte de los pretendientes y el reconocimiento por su fiel esposa Penélope.
La Ilíada, junto con La Odisea, constituye el mayor poema épico de todos los tiempos. Escrito por Homero, prsumiblemente en su juventud, consta de 24 cantos y narra los acontecimientos de la guerra de Troya. Esta ciudad es llamada Ilión en la antiguedad, de ahí el nombre del poema. Este acontecimiento es histórico y se dice que la guerra entre griegos y troyanos se extendió por espacio de diez años. El poema homérico se sitúa 51 días antes de que la guerra llegue a su fin.
Homero, fue un poeta griego que vivió entre los siglos IX y VIII a. C., es considerado el padre de la poesía occidental. Dados los escasos datos acerca de su vida, algunos sostienen que Homero nunca existió; otros afirman que era un rapsoda que frecuentaba las cortes de la época. Su ceguera forma parte de la leyenda, ya que Homero, en griego significa el que no puede ver.
Su larga permanencia en Quíos hizo suponer que era oriundo de esa isla, y su muerte, que tuvo lugar en Ios, constituyen los datos históricos más confiables de su vida.
Lo cierto es que la vida de Homero, más allá del hombre histórico, quedó ligada para siempre a la obra que ha creado, sus personajes y la gloriosa época en la que aquellos hechos tuvieron lugar.
Helena y Paris
ADAPTACIONES
La Ilíada. Comics
"Levantado el muro contra la voluntad de los inmortales dioses, no debía subsistir largo tiempo".
Los cantos de Maldoror (en francés, Les Chants de Maldoror) son un conjunto de seis cantos poéticos publicados en 1869, obra de Isidore Ducasse, más conocido por su pseudónimo de Conde de Lautréamont.
Maldoror, ser sobrehumano, arcángel del mal, lucha bajo diferentes formas contra el Creador, a menudo ridiculizado como Dios en el burdel. Comete asesinatos en los que evidencia su sadismo y perversión. En la versión de 1868, una de las primeras escenas refiere un diálogo con Dazet (un amigo del colegio, de Tarbes, cuyo nombre será suprimido en las siguientes ediciones), que nos deja ver, claramente que, por debajo de la ficción, subyace un sustrato biográfico.
Expresando el mundo épico en el que se desarrollan estos actos extremos, los objetos y animales hablan, las metamorfosis se multiplican, está permitido el énfasis y el gigantismo de los personajes. Pero una ironía constante avisa al lector, le obliga a tomar distancia, en el cara a cara con la narración y a juzgar el fenómeno literario que tiene ante sus ojos. Cada vez más esta voz crítica se mezcla con el texto. Estamos invitados al espectáculo de hacer y deshacer la obra.
A partir del cuarto canto ya no es posible obviar esta contradicción, sus vampíricas frases dominan la sustancia del poema. La novela final utiliza el estilo rocambolesco y, más concretamente, el folletín que abundaba por entonces en los periódicos de grandes tiradas. Ésta última ficción desarrolla una intriga esbozada en las páginas precedentes.
El adolescente Mervyn, seducido por Maldoror, será inútilmente protegido por Dios y sus emisarios animales. Una última escena grandiosa lo ve proyectado tras la columna Vendôme hasta la cúpula del Panteón, y se puede adivinar en este incongruente acto una forma de desembarazarse de todas las novelas del mundo, pero también de las angustias sentimentales que las inspiran.
Si Ducasse encuentra un extremo placer en fomentar escenas de rara violencia, en las que la desdicha y la mala intención tienen un punto sublime, no es menos visible que así ajusta el tono, combinando la amplitud del ritmo y el superior desengaño, una suerte de ineludible y poderoso principio de antigravedad.
La actividad pasa también por el plagio, apropiándose de diferentes fragmentos de textos, entre ellos el Apocalipsis, para integrarlos al suyo.
Esta genial novela de Flaubert ha sido concebida casi con el mismo rigor con que un ingeniero o un científico construye su obra. Aunque Flaubert se aleje de Zola en cuanto a la concepción y el popósito literario, y más allá de cualquier encasillamiento de escuela, Madame Bovary puede ser leída como la tragedia misma del deseo que se enfrenta a las más rígidas restricciones y censuras. Por entonces, Madame Bovary fue considerada una novela pornográfica y le valió a su autor en 1857, un año después de su publicación, un proceso judicial. Si embargo, Flaubert resultó luego absuelto por el juicio de miles de lectores que han consagrado esta obra como un verdadero canto al deseo. Dueño de una notable agudeza y penetración para exponer a los personajes más diversos, Flaubert trazó la psicología de todos ellos con una genial maestría.
La función y el rol de la mujer, que por entonces se consagraba a la mera existencia doméstica, es conmovida por la aparición del deseo. La obra gira en torno a la resolución de exigencias contradictorias entre los deberes maritales de la mujer, tal como por entonces eran prescriptos, y las exigencias de la pasión, cuya expresión en aquella rígida moral debía necesariamente tomar el rodeo de la prohibido.
Madame Bovary, ha sido entonces, la resolución trágica de aquellas exigencias.
VERSIONES CINEMATOGRÁFICAS
MADAME BOVARY (1933) de Jean Renoir.
El gran director francés Jean Renoir adaptando el gran clásico de Gustave Flaubert en una de sus películas, aunque estimable, menos conseguidas.
Emma Bovary es la actriz Valentine Tessier.
MADAME BOVARY (1937) de Gerhard Lampretch.
Versión alemana de la novela de Flaubert, con la mítica intérprete del cine mudo Pola Negri interpretando a Emma Bovary.
MADAME BOVARY (1949) de Vincente Minnelli.
La más famosa de todas las adaptaciones filmadas en la pantalla grande de la novela romántica de Gustave Flaubert fue este título de Minnelli para la Metro Goldwin Mayer, que protagonizaba Jennifer Jones.
Van Heflin era Charles Bovary, Louis Jourdan Rodolphe Boulanger y James Mason el mismísimo Gustave Flaubert.
MADAME BOVARY (1969) de John Scott.
Más que pobre co-producción entre Alemania e Italia que vuelve a trasladar a la pantalla la sufrida Emma Bovary.
El protagonismo en esta ocasión es de la atractiva Edwige Fenech.
MADAME BOVARY (1991) de Claude Chabrol.
Uno de los miembros más destacados de la nouvelle vague realizando una poco memorable traslación fílmica de la obra más conocida de Gustave Flaubert.
Protagonizan Isabelle Huppert, Jean-Françóis Balmer y Christophe Malavoy.
MADAME BOVARY (2000) de Tim Fywell.
Telefilme británico protagonizado por Frances O'Connor y Hugh Bonneville.
En 1509, Erasmo de Rotterdam publicó la que fue una de sus obras más populares: Moriae encomium (Elogio de la locura). Escrita en una convalecencia y como un juego divertido, esta obra tiene un trasfondo serio: a través de la ironía, el sarcasmo, la sátira, la burla, evidencia y desenmascara los peores defectos de todos.
El Elogio de la locura es una ingeniosa crítica de la sociedad de la época, en la que todas las clases sociales son despiadadamente analizadas por la "Estupidez", que es quien habla. Su acertado escarnio no perdona a nadie: ni reyes, ni papas, ni campesinos, ni nobles, ni mujeres ni monjes se sustraen al dominio de la locura, la estupidez. Así, Erasmo plantea que se debe rechazar el mundo de las apariencias y recobrar la espiritualidad primigenia a través de una sincera vivencia individual.
Amigo de Tomás Moro, le dedica su Elogio de la locura, que es una sátira a las costumbres anacrónicas y un canto a la libertad, al ingenio, a la rebeldía; o sea, a una cultura libre.
"Para el hombre dichoso todos los países son su patria".
Desde el momento de su publicación, varias generaciones de lectores han consagrado El fantasma de Canterville como un clásico. ¿En qué reside el secreto de su éxito? Una clave para responder a esta pregunta parece estar en la admirable parodia de la novela de terror que logra Oscar Wilde a través del desopilante encuentro entre una familia típicamente estaadounidense y un fantasma auténticamente inglés. Escrita con un ingeio inigualable, esta obra ha sabido combinar como pocas el sentimiento de complicidad que despierta en los lectores, la terura que emana de sus personajes y un mágico final, en el que la comprensión y la tolerancia triunfan sobre las diferencias.
La época en la que Wilde vivió y desarrolló su obra se conoce como la "era victoriana". Se llama así por la huella que dejó el gobierno de la reina Victoria en la sociedad inglesa en la segunda mitad del siglo XIX. En tiempos en que la política era una actividad puramente masculina, la firme Victoria supo mantenerse en el poder y regular la sociedad británica durante sesenta y cuatro años. El fantasma de Canterville puede leerse también como una crítica a los prejuicios de la sociedad victoriana. Para reirse del apego que los ingleses tenían por sus tradiciones, Wilde decidió mostrarles a través de la mirada de una familia estadounidense que, por ser extranjera, no conoce ni comparte sus códigos. Es así como entra en escena la familia Otis.
"La rebeldía a los ojos de todo aquel que haya leído algo de historia, es la virtud original del hombre".
En la obra de Poe, el amor, la muerte, la belleza, el tiempo y el destino están siempre unidos y contrapuestos.
En sus cuentos, las descripciones de los espacios ambientales son lejanos a la tendencia de época de lo bizantino y recargado. El horror por lo cerrado es una de las principales características, porque nace de una situación o de un lugar, y es funcional, está dirigida para lograr un efecto preciso, si se quiere programado. Y lo culminante de ese marco tétrico y en ciertos casos inertes es la fuerza de la narración, en la mayoría de sus cuentos, en primera persona.
Dotado de una fantasía extravagante e infinita, comprendió como nadie la admirable lógica de lo absurdo, enraizada en la historia inquietante, maléfica y terrorífica.
Los cuentos de Poe están ligados unos a otros por una visión de mundo que se centra en fuerzas elementales: amor y odio siempre encaminados por una voluntad de conocimiento, y en ella es donde surge el horror, el hecho de que para superar los límites impuestos por la razón y el comprender sea necesario experimentar un estado de aberración.
El espanto y lo sobrehumano, lo terrible y lo anormal, son las líneas de acción por las que se entretejen los relatos. Una narración enfermiza y lúcida es lo que emana de la literatura creada por Poe, cuestiones que no hacen más que reforzar lo maravilloso y bello de su composición.
"Todo lo que vemos desfilar ante nuestros ojos, todo lo que imaginamos, no es sino un sueño dentro de otro sueño". Edgar Allan Poe
La descarga del enlace te lleva a los cuentos de Poe de la mano de Cortázar!
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