Roberto Arlt hizo un mito del trabajo de escribir, desarrollando pareja e intensivamente su obra literaria y periodística.
En 1927 ingresa como cronista policial en el diario "Crítica" y en 1928 como redactor del diario "El Mundo", allí aparecen sus cuentos "El jorobadito" y "Pequeños propietarios" y escribe, con mucho éxito, una sección fija denominado "Aguas Fuertes Porteñas".
El triunfo periodístico de esta sección es fácil de explicar. El hombre común, el pequeño y pequeñísimo burgués de las calles de Buenos Aires, el oficinista, el dueño de un negocio raído, el enorme porcentaje de amargos y descreídos podían leer sus propios pensamientos, sus tristezas, sus ilusiones pálidas, adivinadas y dichas en su lenguaje de todos los días. Además, el cinismo que ellos sentían sin atreverse a confesión; y, más allá, intuían nebulosamente el talento de quien les estaba contando sus propias vidas, con una sonrisa burlona pero que podía creerse cómplice.
La primera compilación de estas notas aparece publicada en 1993 con el título Agafuertes porteñas.
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Freddie Mercury fue un músico británico, conocido por haber sido el vocalista de la banda de rock Queen. Como intérprete, ha sido reconocido por su poderosa voz y extravagantes puestas en escena. Como compositor musical, escribió muchos éxitos, tales como "Bohemian Rhapsody", "Killer Queen", "Somebody to Love", "Don't Stop Me Now", "Crazy Little Thing Called Love", "Barcelona" y "We Are the Champions". Se estima que Queen llegó a vender 300 millones de álbumes en todo el mundo con Mercury como líder.Además de su trabajo con Queen, Freddie Mercury tuvo una carrera como solista y ocasionalmente fue productor y participó en eventos como músico invitado para otros artistas.
Mercury, que era parsi y fue criado en la India, está considerado "la primera estrella de rock asiática en Gran Bretaña".Murió de una bronconeumonía complicada por el sida el 24 de noviembre de 1991, sólo un día después de comunicar oficialmente que padecía esta última enfermedad. En 2006, la revista Time Asia lo nombró como uno de los héroes asiáticos más influyentes de los últimos sesenta añosy continúa siendo votado por la gente como uno de los mejores cantantes en la historia de la música popular. En 2005, en una encuesta organizada por Blender y MTV2 salió nombrado el mejor cantante masculino de todos los tiempos. En el 2009 una encuesta de la revista Classic Rock lo colocó en el primer puesto entre los mejores cantantes de rock de todos los tiempos. En 2008, la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto dieciocho en su lista de los mejores vocalistas de todos los tiempos, reflejando la opinión de la editorial de la revista. Por su parte, Allmusic definió a Mercury como "uno de los líderes más carismáticos y dinámicos en la historia del rock". Una encuesta hecha por The Sun, que pretendía encontrar al "Máximo dios del rock", situó a Mercury en el puesto número uno.
Según su pareja, Jim Hutton, a Mercury le diagnosticaron sida después de la Pascua de 1987. Por aquella época, Mercury dijo en una entrevista no padecer esta enfermedad. Pese a estas negaciones, la prensa británica alimentó rumores sobre esta posible enfermedad debido a la apariencia de Mercury y a que Queen no realizaba giras ni conciertos. Hacia el final de su vida, muchos periodistas le tomaron fotografías, mientras que The Sun sugería que estaba realmente muy enfermo.
El 22 de noviembre de 1991, Mercury llamó al mánager de Queen, Jim Beach, para discutir un asunto público. Al día siguiente, se realizó el siguiente anuncio en nombre del cantante: Siguiendo la enorme conjetura de la prensa de las últimas dos semanas, es mi deseo confirmar que padezco sida. Sentí que era correcto mantener esta información en privado hasta el día de la fecha para proteger la privacidad de los que me rodean. Sin embargo, ha llegado la hora de que mis amigos y seguidores conozcan la verdad y espero que todos se unan a mí y a mis médicos para combatir esta terrible enfermedad. Mi privacidad ha sido siempre muy importante para mí y soy famoso por prácticamente no dar entrevistas. Esta política continuará.Al poco tiempo de haber redactado este informe, el 24 de noviembre de 1991, Mercury murió a la edad de 45 años. La causa oficial de su muerte es bronconeumonía complicada por el sida. Pese a que no era una persona religiosa, su funeral fue dirigido por un sacerdote zoroástrico. Elton John, David Bowie y los miembros de Queen estuvieron presentes. Mercury fue cremado y sus cenizas reposan en algún lugar aún desconocido. Se rumorea que fueron esparcidas por Mary Austin a lo largo del Lago Lemán en Suiza, donde Mercury vivió sus últimos años y donde se halla su monumento conmemorativo, concretamente en la ciudad de Montreux. También se dice que reposan a los pies del enorme roble que corona el jardín de lo que fue su residencia Garden Lodge, en Kensington, así como también repartida entre varios teatros londinenses; ninguna de estas afirmaciones han podido ser comprobadas hasta el día de hoy.En su testamento, Mercury legó la mayoría de sus bienes, incluyendo su casa y los derechos de autor sobre sus canciones, a Mary Austin, y el resto a sus parientes y a su hermana Kashmira. Además dejó quinientas mil libras para su cocinero Joe Fanelli y la misma suma para su asistente Peter Freestone y Jim Hutton, y cien mil para su chofer Terry Giddings.Mary Austin continúa viviendo en la casa de Mercury, llamada Garden Lodge, en Kensington con su familia. Hutton se mudó a Irlanda en 1995, donde murió el 1 de enero de 2010. Escribió algunos libros sobre la vida de su pareja, entre ellos Mercury and Me y Freddie Mercury: The Untold Story y dio diversas entrevistas para varias publicaciones.
Pese a que la voz de Mercury al hablar recaía en el rango de barítono, usualmente cantaba en el registro de tenor. Un crítico describió su voz diciendo que "[en] la escala de algunos compases, de un profundo tenor, va de un gruñido tipo rock gutural de licitación a vibrante, y luego a un tono de alta coloratura, perfecta, pura y cristalina en la parte alta".La soprano española Montserrat Caballé, a quien conoció en el Hotel Ritz de Barcelona y con quien Mercury grabó un álbum, expresó su opinión diciendo que "la diferencia entre Freddie y la mayoría de las estrellas de rock es que él vendía la voz". A medida que la carrera de Queen iba progresando, Mercury reemplazaba las notas más agudas de las canciones que interpretaba en directo cantándolas en otras octavas más graves. Padecía de nódulos vocales y dijo nunca haber tomado clases de canto.
Mercury escribió diez de las diecisiete canciones incluidas en el álbum Greatest Hits: "Bohemian Rhapsody", "Seven Seas of Rhye", "Killer Queen", "Somebody to Love", "Good Old-Fashioned Lover Boy", "We Are the Champions", "Bicycle Race", "Don't Stop Me Now", "Crazy Little Thing Called Love" y "Play the Game".El aspecto más notorio de su estilo de composición es el amplio rango de géneros de sus obras, que incluye, entre otros estilos, rockabilly, rock progresivo, heavy metal, gospel y música disco. Como explicó en una entrevista en 1986: "Odio hacer lo mismo todo el tiempo. Me gusta ver lo que está sucediendo en este momento en la música, el cine y el teatro e incorporarlo". Comparado con otros artistas, Mercury ha compuesto también obras muy complejas. Por ejemplo, "Bohemian Rhapsody" tiene una estructura poco común y contiene docenas de coros simulando un coro operístico. Por otra parte, "Crazy Little Thing Called Love", contiene pocos coros. Pese al hecho de que Mercury compuso armonías muy intrincadas, como es el caso de "The March of the Black Queen", él declaró que le costaba leer música. Ha escrito la mayoría de sus canciones utilizando un piano en varias claves y tonalidades. Mercury era famoso por sus actuaciones en directo, y recorrió muchos países realizando giras musicales con Queen. Poseía un estilo teatral que a veces requería la participación del público.
Un crítico de la revista británica The Spectator lo describió como "un cantante que excita y encanta a su audiencia con varias y extravagantes versiones de sí mismo". David Bowie, quien actuó en el concierto homenaje a Freddie Mercury y grabó la canción "Under Pressure" con Queen, alabó el estilo de Mercury para conducirse en el escenario al afirmar que: "Entre los conciertos de rock más teatrales, Freddie fue el más sobresaliente. Y, por supuesto, siempre he admirado a los hombres que usan trajes de malla. Solo lo vi una vez en concierto y, como dicen, era definitivamente un hombre que podía tener a su audiencia en la palma de la mano". Una de las actuaciones en directo más destacables de Queen tuvo lugar en el concierto Live Aid en 1985, durante el cual todo el público (aproximadamente 72.000 personas) aplaudía y cantaba al unísono. En una votación, un grupo de ejecutivos eligió este concierto como la mejor actuación en directo de la historia del rock. Los resultados de esta votación fueron transmitidos en un programa de televisión llamado "The World's Greatest Gigs".Un crítico escribió sobre el Live Aid en 2005: "Aquellos que se dedican a crear listas de los mejores líderes de bandas de rock y reservan los primeros lugares para Mick Jagger, Robert Plant, etc, cometen un terrible error.
Freddie, por su actuación en el Live Aid, es el mejor de ellos".Durante su carrera, Mercury participó en aproximadamente setecientos conciertos en muchos países con Queen. El cantante una vez explicó: "Somos el Cecil B. DeMille del rock, siempre queremos hacer las cosas mejor". La banda fue el primer grupo británico en tocar en estadios de Latinoamérica, rompiendo el récord mundial en mayor cantidad de público en el estadio Morumbi en São Paulo en 1981. En 1986, Queen también tocó tras el Telón de Acero en Budapest, frente a ochenta mil personas. La última actuación en directo de Mercury con Queen tuvo lugar el 9 de agosto de 1986 en Knebworth, concierto al que asistieron trescientas mil personas.
Además de su trabajo con Queen, Mercury grabó dos álbumes como solista y lanzó muchos sencillos. Pese a que sus trabajos no fueron tan comercialmente exitosos como sus álbumes con Queen, éstos debutaron entrando en el Top 10 de las listas británicas.Los álbumes de Freddie Mercury como solista fueron Mr. Bad Guy (1985) y Barcelona (1988). El primero tiene un estilo basado en la música popy disco. Barcelona, por el contrario, fue grabado junto a la cantante de ópera Montserrat Caballé, a quien admiraba profundamente.Mr. Bad Guy figuró, en su lanzamiento, en el décimo puesto en las listas de venta de Inglaterra.En 1993, una versión remezclada de "Living On My Own", un sencillo del primero de sus álbumes, alcanzó el puesto número uno en la UK Singles Chart. La canción hizo además que Mercury ganara un premio Ivor Novello póstumo. El crítico de Allmusic Eduardo Rivadavia describió a Mr. Bad Guy como "impresionante desde el principio hasta el final", y expresó que Mercury "hizo un considerable trabajo de exploración en tierras desconocidas".Barcelona, grabado con Montserrat Caballé, combina elementos de la música popular con la ópera. Algunos críticos calificaron el trabajo como "el CD más extravagante del año".
Caballé, por su parte, consideró al álbum como uno de los mejores éxitos de su carrera. El sencillo que lleva el nombre del álbum se ubicó en el momento de su lanzamiento en el octavo puesto en las listas de sencillos británicas y fue todo un éxito en España,donde el tema se convirtió en el himno oficial de las Olimpiadas de 1992, celebradas en Barcelona un año después de la muerte del cantante, y tras lo cual el tema subió hasta la segunda posición de las listas, cinco años después de su publicación.Además, Caballé lo interpretó en la final de la UEFA Champions League de 1999, disputada en Barcelona.Además de sus dos álbumes como solista, Mercury lanzó muchos otros sencillos, incluyendo su propia versión de la canción "The Great Pretender", que se ubicó en el quinto puesto en Inglaterra en 1987.
En septiembre de 2006, se lanzó un álbum recopilatorio —titulado Lover of Life, Singer of Songs— de algunos trabajos de Mercury como solista, en conmemoración al 60º aniversario de su nacimiento, y en Estados Unidos en noviembre, casi coincidiendo con el 15º aniversario de su fallecimiento. El disco ocupó el décimo puesto en las listas de venta.
Sus hits!
"No seré una estrella de rock. Seré una leyenda". Freddie Mercury
Eugène Ionesco nació en Rumania en 1912 y murió en Francia en 1993. Es uno de los representantes más importantes del teatro del absurdo. Es autor de obras como La cantante calva, Las sillas, Rinoceronte, Frenesí para dos y el rey muere. En ellos aparecen personajes sumergidos en un mundo en el que no es posible percibir o descubrir ningún sentido. Sus piezas teatrales por lo general presentan situaciones humorísticas pero atravesadas por la crueldad y el desamparo que exhiben sus protagonistas.
Frente a una obra de teatro del absurdo, muchos espectadores desprevenidos tienen la impresión de no haber entendido nada, de que el significado último de la obra se les escapa. En realidad, gran parte de estas obras plantean precisamente ese mismo “sin sentido”. Por este motivo, requieren de un público muy activo, capaz de fabricar ese espectáculo diferente, alejado de las convenciones más previsibles del realismo.
En la obra La lección de Eugène Ionesco, una alumna se prepara para un doctorado y recurre a las clases particulares de un profesor ya anciano. Durante esa clase, los vínculos entre una y otro se irán degenerando hasta llegar a un final extremo. La obra presenta una serie de rasgos que evidencian un clima social vinculado con la situación de angustia que se vivía en la Europa después de la Segunda Guerra. La visión crítica de Ionesco contribuyó a la toma de conciencia que trajo como consecuencia un proceso de reconstrucción económica y social.
Los personajes de las obras clásicas son héroes, ya que llevan adelante acciones que el hombre medio no realiza para lograr un objetivo determinado (conseguir el amor de una mujer, liberar a su pueblo de una peste, etc.).
Los personajes de La lección no tienen metas claras, ni deseos definidos, ni llevan adelante acciones heroicas, sino que parecen dejarse llevar por las pautas formales que impone la sociedad. De esta manera, alejados de su interioridad y de sus deseos, se vuelven poco más que fantasmas ridículos. Cuando el profesor y la alumna se harten de esa formalidad vacía que no responde a un verdadero interés por el otro ni al respeto, ocurrirá el desenlace trágico: el profesor mata a la alumna.
Sin metas y sin deseos, los dos personajes parecen desconocer por qué y para qué hacen lo que están haciendo. Si los personajes de la tragedia clásica y moderna sabían para qué estaban en el mundo (cuál era su destino), los personajes del teatro del absurdo no lo saben. Ese desconocimiento no los hace ignorantes sino ridículos, puesto que permanecen en sus sitios sin saber por qué.
Esta forma de presentar a los personajes se relaciona con una visión del ser humano "medio", considerado como alguien desprotegido en un mundo en el que las decisiones que tienen que ver con su vida y con su muerte están fuera de su control.
Las posturas críticas y pesimistas con respecto a los seres humanos son presentadas por medio del humor, a menudo violento. Entonces, se propone a través de la risa, una reflexión sobre las situaciones absurdas o sin sentido que viven los personajes. La insistencia del profesor hacia la alumna, por ejemplo, resulta sumamente graciosa, excepto para la propia chica que no escapa del tormento en el que está metida. El espectador ríe pero también se cuestiona por qué no abre la puerta y huye: la alumna no escapa porque no puede o porque no se le ocurre. No es consciente de su sufrimiento, ya que se comporta casi como una autómata; no tiene libertad.
El hombre contemporáneo, según esta visión absurda, no puede tener metas ni ambiciones trascendentales (llegar a Dios, ganar el Paraíso o hacer la Revolución) ya que es un ser que no tiene creencias. Sin embargo, como la alumna, todavía espera, aunque no sabe muy bien qué. El tópico de la espera por algo que no se sabe bien qué es ni para qué sirve aparece en muchas obras de estos autores, como Esperando a Codot, de Samuel Beckett.
En la obra de Ionesco, el tema de la incomunicación entre el profesor y laalumna, es decir, la imposibilidad de encontrar acuerdos y puntos de encuentro con el otro, aparece como predominante. El planteo de la incapacidad para comunicarse refleja también una visión pesimista acerca de las personas. Si estos no pueden dialogar (es decir, compartir sus deseos, sus miedos, sus alegrías y sus sueños), ¿qué presente pueden construir?.
Un mundo de palabras vacías
La incomunicación aparece reflejada especialmente en la manera en que se utiliza la palabra. Los personajes se comunican entre sí y con el público mediante el lenguaje oral. El teatro del absurdo, en cambio, se vale de la palabra precisamente para denunciar la falta de comunicación y de contacto entre las personas. En La lección, los protagonistas hablan y hablan todo el tiempo, casi sin parar, pero sus palabras sólo sirven para ocultar que no tienen nada para decirse y que no tienen capacidad para entenderse. La palabra pierde su contenido, su significado, para transformarse simplemente en un significante vacío que nada transmite. El siguiente fragmento sirve para ejemplificar lo dicho:
EL PROFESOR.-Usted tiene ... Usted tiene ... Usted tiene ...
LA ALUMNA-Diez dedos.
EL PROFESOR.-Como usted quiera. Perfecto. Usted tiene, pues, diez dedos.
LA ALUMNA-Sí, señor.
EL PROFESOR.-¿Cuántos tendría si tuviese cinco?
LA ALUMNA-Diez, señor.
La poca acción
En el teatro moderno, por ejemplo el que producen dramaturgos como William Shakespeare, los personajes por lo general persiguen grandes metas: saber la verdad, tomar el poder, instaurar la justicia, salvar al pueblo. Para alcanzar esos objetivos se producen situaciones colmadas de enigmas, enredos y acciones secundarias.
En el teatro del absurdo, en cambio, e! argumento es mínimo; por ejemplo la trama de La lección puede reducirse a dos polos de acción: una alumna ineficiente y un profesor que no logra hacerse entender. Pero estas acciones mínimas están fuera de toda lógica y resultan siempre inesperadas. Es más, pueden adoptar la forma de una pesadilla de la que no es posible salir, como sucede cuando el profesor le pregunta a la alumna cuántas orejas le quedan si le saca una. Se busca, de esta manera, que el espectador se centre en las emociones más íntimas de los personajes y en los efectos que estas producen sobre los otros personajes.
El teatro del absurdo reflexiona sobre las convenciones de la sociedad moderna, sus certezas y las seguridades que brinda y, en consecuencia, suele cuestionar los fundamentos de las instituciones sociales, como la escuela, a las que asocia a un tipo de violencia que imposibilita que los jóvenes puedan pensar libremente.
"La libertad de la fantasía no es ninguna huida a la irrealidad, es creación y osadía".
En la obra de Poe, el amor, la muerte, la belleza, el tiempo y el destino están siempre unidos y contrapuestos.
En sus cuentos, las descripciones de los espacios ambientales son lejanos a la tendencia de época de lo bizantino y recargado. El horror por lo cerrado es una de las principales características, porque nace de una situación o de un lugar, y es funcional, está dirigida para lograr un efecto preciso, si se quiere programado. Y lo culminante de ese marco tétrico y en ciertos casos inertes es la fuerza de la narración, en la mayoría de sus cuentos, en primera persona.
Dotado de una fantasía extravagante e infinita, comprendió como nadie la admirable lógica de lo absurdo, enraizada en la historia inquietante, maléfica y terrorífica.
Los cuentos de Poe están ligados unos a otros por una visión de mundo que se centra en fuerzas elementales: amor y odio siempre encaminados por una voluntad de conocimiento, y en ella es donde surge el horror, el hecho de que para superar los límites impuestos por la razón y el comprender sea necesario experimentar un estado de aberración.
El espanto y lo sobrehumano, lo terrible y lo anormal, son las líneas de acción por las que se entretejen los relatos. Una narración enfermiza y lúcida es lo que emana de la literatura creada por Poe, cuestiones que no hacen más que reforzar lo maravilloso y bello de su composición.
"Todo lo que vemos desfilar ante nuestros ojos, todo lo que imaginamos, no es sino un sueño dentro de otro sueño". Edgar Allan Poe
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El juguete rabioso sería el objeto de la obra de Roberto Arlt más representado en la consideración Literatura= Vida particular. Lo que maniefiesta esta obra singularísima es la asunción de la "auto-biografía" desde la grafé; el cómo y el qué de una vida puede ser reducida por signos de escritura.
Funcionan así, de modo admirable las elipsis, las presencias intencionadas, las anacronías, los velados juicios sobre otros personajes, las simetrías, la constitución del ser extraordinario, la manifestación del ser agónico por no alcanzar el otro ser analizado en sí mismo como superior, la toma de decisión definitiva, aunque implique emporcamiento ético, la tramada manipulación de los dobles y la presencia singular de los paratextos en los momentos más adecuados. Era una novela nueva, personal, en la que se describía una experiencia tomada de lo inmediato, alejada de los centros de poder y de la cultura oficial.
Silvio Drodman Astier es un juguete rabioso que se descompone y se arma por la fuerza de los fracasos y de las superaciones de un ambiente hostil, en un medio en el que un joven confundido no ve medrar la conciencia de superioridad y los dones ocultos. La exasperación es fruto del aturdimiento.
El juguete rabioso es una buena novela. Ardiente en la pintura, discreto en la medida, aunque no siempre sobrio en la expresión.
VERSIÓN CINEMATOGRÁFICA
El juguete rabioso es una película argentina dirigida por Aníbal Di Salvo y José María Paolantonio que se estrenó el 11 de octubre de 1984 y que tuvo como protagonistas a Pablo Cedrón, Julio De Grazia, Cipe Lincovsky, Osvaldo Terranova, Lucrecia Capello, Aldo Braga y Roberto Carnaghi. El guion, realizado sobre la novela de Roberto Arlt pertenece a su hija Mirta Arlt y a José María Paolantonio.
"El futuro es nuestro por prepotencia de trabajo".
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