La novela Cien años de soledad fue escrita por Gabriel García Márquez durante dieciocho meses, entre 1965 y 1966 en Ciudad de México, y se publicó por primera vez a mediados de 1967 en Buenos Aires. La idea original de esta obra surge en 1952 durante un viaje que realiza el autor a su pueblo natal, Aracatac, en compañía de su madre. En su cuento Un día después del sábado publicado en 1954, hace referencia por primera vez a Macondo, y varios de los personajes de esta obra aparecen en algunos de sus cuentos y novelas anteriores.
"Los seres humanos no nacen para siempre el día en que sus madres los alumbran, sino que la vida los obliga a parirse a sí mismos una y otra vez."
Gabriel García Márquez
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El libro narra la historia de la familia Buendía a lo largo de siete generaciones en el pueblo ficticio de Macondo.
José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán son un matrimonio de primos que se casaron llenos de presagios y temores por su parentesco y el mito existente en la región de que su descendencia podía tener cola de cerdo. En una pelea de gallos en la que resultó muerto el animal de Prudencio Aguilar, éste, enardecido por la derrota, le gritó a José Arcadio Buendía, dueño del vencedor: "A ver si ese gallo le hace el favor a tu mujer", ya que la gente del pueblo sospechaba que José Arcadio y Úrsula no habían tenido relaciones en un año de matrimonio (por el miedo de Úrsula de que la descendencia naciera con cola de cerdo). Así fue como José Arcadio Buendía reta en duelo a Prudencio, en el que lo mata al atravesarle la garganta con una lanza. Sin embargo, su fantasma lo atormenta apareciéndose repetidas veces en su casa lavándose la herida mortal con un tapón de esparto. Así es como José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán deciden irse a la sierra. En medio del camino José Arcadio Buendía tiene un sueño en que se le aparecen construcciones con paredes de espejo y, preguntando su nombre, le responden "Macondo". Así, despierto del sueño, decide detener la caravana, hacer un claro en la selva y habitar ahí.
El pueblo es fundado por diversas familias conducidas por José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, quienes tuvieron tres hijos: José Arcadio, Aureliano y Amaranta (nombres que se repetirán en las siguientes generaciones). José Arcadio Buendía, el fundador, es la persona que lidera e investiga con las novedades que traen los gitanos al pueblo (teniendo una amistad especial con Melquíades, quien muere en variadas ocasiones y que sería fundamental para el destino de la familia), y termina su vida atado al castaño hasta donde llega el fantasma de su antiguo enemigo Prudencio Aguilar, (al que le había dado muerte con una lanza en el cuello antes de fundar Macondo) con el que dialoga. Úrsula es la matriarca de la familia, quien vive durante más de cien años cuidando de la familia y del hogar.
El pueblo poco a poco va creciendo y con este crecimiento llegan habitantes del otro lado de la ciénaga. Con ellos se incrementa la actividad comercial y la construcción en Macondo. Inexplicablemente llega Rebeca, a quienes los Buendía adoptan como hija. Por desgracia, llegan también con ella la peste del insomnio y la peste del olvido causada por el insomnio. La pérdida de la memoria obliga a sus habitantes a crear un método para recordar las cosas y José Arcadio Buendia comienza a etiquetar todos los objetos para recordar sus nombres; no obstante, este método empieza a fallar cuando las personas también olvidan leer. Un día, regresa Melquíades de la muerte con una bebida para restablecer la memoria que surte efecto inmediatamente, y en agradecimiento es invitado a quedarse a vivir en la casa. En esos momentos escribe unos pergaminos que sólo podrían ser descifrados cien años después.
Cuando estalla la guerra civil, la población toma parte activa en el conflicto al enviar un ejército de resistencia dirigido por el coronel Aureliano Buendía (segundo hijo de José Arcadio Buendía), a luchar contra el régimen conservador. En el pueblo, mientras tanto, Arcadio (nieto del fundador e hijo de Pilar Ternera y José Arcadio) es designado por su tío jefe civil y militar, y se transforma en un brutal dictador, quien es fusilado cuando el conservadurismo retoma el poder.
La guerra continúa y el coronel Aureliano se salva de morir en varias oportunidades, hasta que, fatigado de luchar sin sentido, arregla un tratado de paz que durará hasta el fin de la novela. Después de que el tratado se firma, Aureliano se dispara en el pecho, pero sobrevive. Posteriormente, el coronel regresa a la casa, se aleja de la política y se dedica a fabricar pescaditos de oro encerrado en su taller, de donde sale solamente para venderlos.
Aureliano Triste, uno de los diecisiete hijos del coronel Aureliano Buendía, instala una fábrica de hielo en Macondo, deja a su hermano Aureliano Centeno al frente del negocio y se marcha del pueblo con la idea de traer el tren. Regresa al cabo de poco tiempo, cumpliendo con su misión, la cual genera un gran desarrollo, ya que con el tren, llegan también el telégrafo, el gramófono y el cine. Entonces el pueblo se convierte en un centro de actividad en la región, atrayendo a miles de personas de diversos lugares. Algunos extranjeros recién llegados empiezan una plantación de banano cerca de Macondo. El pueblo prospera hasta el surgimiento de una huelga en la plantación bananera; para acabar con ella, se hace presente el ejército nacional y los trabajadores que protestan son asesinados y arrojados al mar.
Después de la masacre de los trabajadores del banano, el pueblo es asediado por las lluvias que se prolongan por cuatro años, once meses y dos días. Úrsula dice que espera el final de las lluvias para finalmente morir. Nace Aureliano Babilonia, el último miembro de la línea Buendía (inicialmente referido como Aureliano Buendía, hasta que más adelante descubre por los pergaminos de Melquíades que su apellido paterno es Babilonia). Cuando las lluvias terminan, Úrsula muere y Macondo queda desolado.
La familia se ve reducida y en Macondo ya no se acuerdan de los Buendía; Aureliano se dedica a descifrar los pergaminos de Melquíades en el laboratorio, hasta que regresa de Bruselas su tía Amaranta Úrsula, con quien tiene un romance. De este, Amaranta Úrsula queda embarazada y tiene un niño que al nacer se descubre con cola de cerdo; ella muere desangrada después del parto. Aureliano Babilonia, desesperado, sale al pueblo llamando de puerta en puerta, pero Macondo ahora es un pueblo abandonado y solo encuentra a un cantinero que le ofrece aguardiente, quedándose dormido. Al despertar se acuerda del niño recién nacido y corre a buscarlo, pero a su llegada encuentra que se lo están comiendo las hormigas.
Aureliano recuerda que esto estaba predicho en los pergaminos de Melquíades. Con vientos huracanados asediando Macondo y el lugar en el que estaba presente, termina de descifrar la historia de los Buendía que ya estaba allí escrita con anticipación, encontrando que al terminar de leerlos, finalizaría su propia historia y con él, la historia de Macondo, el cual sería arrasado por el viento y borrado de cualquier memoria humana... "porque las estirpes condenadas a cien años de soledad no tienen una segunda oportunidad sobre la tierra"
El primer enlace descarga la novela; el segundo enlace, un árbol genealógico de los personajes!
La novela cuenta la historia del donjuán Juan Carlos Etchepare, vinculado, fundamentalmente, con tres mujeres: Nené, una humilde muchacha que está verdaderamente enamorada de él; Mabel, una chica bien que es tan infiel como lo es Juan Carlos; y la viuda Di Carlo, mal vista por los rumores de que no respeta su viudez.
Al mismo tiempo, se entrelazan las historias de la hermana de Juan Carlos, Celia (una soltera empedernida) y Pancho y la Rabadilla, entre otros. Cuando Juan Carlos debe internarse en Córdoba porque ha contraído tuberculosis, comienza una formidable exposición de las relaciones humanas y el valor de los lazos afectivos contra la impunidad de los vínculos establecidos por el deseo. Toda la novela está contada a través de diálogos directos, cartas, diarios íntimos, expedientes y publicaciones, habiendo un mínimo de narración convencional.
La historia causó una impronta muy negativa en General Villegas.
La publicación fue recibida por algunas personas como una intromisión en la vida privada de algunos ciudadanos, dado que las situaciones y relaciones narradas pudieron ser fácilmente identificadas por los villeguenses. Precisamente, el autor las había tomado, al igual que con su libro anterior, de conversaciones oídas a escondidas. Juan Carlos, en Boquitas pintadas, era una combinación de Danilo Caravera, un muchacho atractivo que padecía tuberculosis, y su hermano Hernán, un muchacho holgazán y licencioso. Nené se correspondería nada menos que con la madre del autor, Male (nótese, entre otras coincidencias, la de que Nené, en la ficción, tiene dos hijos varones) en combinación con una vecina de apellido Fumagallo. La diferencia estaba en que, según atestiguaron años más tarde en diversas entrevistas personas que habían vivido por entonces, Male se había casado con el hombre más deseado del pueblo, que era Baldomero, no Danilo. Con la posterior adaptación cinematográfica (prohibida en Villegas, presuntamente por presión de Acción Católica) la situación empeoró. Llegó a ser tanta la conmoción causada que, aunque la familia Caravera ya no residía en General Villegas, el padre de Danilo ordenó retirar su cadáver del cementerio para que la prensa no lo fotografiara.
La adaptación cinematográfica, estrenada en 1974, fue impulsada y llevada a cabo por el prestigioso director Leopoldo Torre Nilsson. Alfredo Alcón ocupó el rol de Juan Carlos Etchepare, mientras que Marta González interpretó a Nené.
EL TANGO EN BOQUITAS PINTADAS
Es evidente que Boquitas pintadas muestra un paralelismo con el tango. No, no es entonces casualidad hallar desde la primera entrega un epígrafe del tango "Cuesta abajo" de Alfredo Le Pera.
De estaforma, la lírica del tango nos es ofrecida como una pauta referencial sobre el acontecer del capítulo en cuestión.
También el tango se puede localizar inmerso en el texto mismo: " . . . cada paso, una cortada, el adelanta la pierna y empuja la pierna mía, no se bailar bien el tango . . . " (171).
Puig utiliza, el lenguaje popular, el del tango (al igual que el folletín) para transmitirnos la realidad emocional y material de una pequeña provincia argentina de los años 30, década que refuerza el uso del tango como factor situacional y ambiental, a la vez que enfatiza su relación con el mundo en el que se inserta.
El tango dota a Boquitas pintadas de un sentido de ubicuidad espacio-temporal, ya que éste logra su etapa más importante en la decena del 30, a través de la figura del cantante Carlos Gardel y con las composiciones de Alfredo Le Pera. Esta época de auge musical acompaña a una Argentina en crisis y sujeta a cambios políticos y sociales. Por un lado, a causa de las luchas del poder entre militaristas y populistas, por el otro, debido a la acentuación del conflicto racial, surgido en el siglo anterior, y que provoca un nacionalismo radical. El tango se desarrolla en un clima emocional de desencanto y crítica de una Argentina inestable.
Puig rescata el tango como una fuente de sabiduría popular ya que éste capta mediante sus letras la sensibilidad de la cultura rioplatense. En él convergen un cúmulo de sentimientos, de emociones que embargan al pueblo argentino, y en nuestro caso, a la provincia de Coronel Vallejos.
De aquí la importancia analógica entre el tango y Boquitas pintadas al ofrecer éste una gran variedad temática y tipológica, melodramática y "vasta como la propia comedie humaine . . . " diría Jorge Luis Borges en Evaristo Carriego (160). A lo largo de Boquitas pintadas encontramos pues, una exposición de temas con sus correspondientes en el tango: el amor, el engaño, el tiempo, el odio, el hibridaje, son entre otros, constantes de este género musical. El tango también tiene sus prototipos, aquellos seres nacidos en el barrio, en el arrabal, en una sociedad estrecha, protagonistas de la desventura, del desengaño, del amor. Así el gígolo, el compadrito, lamorocha, la percalera, son por consiguiente personajes de nuestra novela. Y si se trata del tango como danza, Boquitas pintadas lo emula, dando un movimiento erótico y armonioso a sus personajes alrededor de los cuáles se teje la vida de los habitantes de Coronel Vallejos. De igual modo encontramos tanto en el tango como en el relato que nos ocupa, la preponderancia del hombre como figura que inicia y termina la historia o la canción.
La similitud entre el tango y Boquitas pintadas resulta tan obvia que no ha merecido gran atención por parte de la mayoría de sus estudiosos, más que la mera afirmación de su existencia. Se le menciona como música de fondo. ¿Qué forma parte de la escena? Si, eso ya lo sabemos. Pero ¿Es Boquitas pintadas tal y como parece? ¿No será verdad aquello de que las apariencias engañan? El objetivo del presente estudio es conocer las analogías existentes entre el tango y Boquitas pintadas para luego contestarnos la siguiente pregunta: ¿Es Boquitas pintadas una réplica de las propuestas del tango, o por el contrario, una crítica a éstas?
Demos comienzo pues a las constantes temáticas. Boquitas pintadas vé su origen alrededor del gran tema de los tangos: el amor. Y como diría Osvaldo Rossler en su libro Protagonistas del tango, "¡El pobre e inmortal amor! Pacto terrible como pocos. Amor que adornamos con el juego de la fantasía" (58). De este modo y a partir de la primera entrega Puig lo anuncia por medio del epígrafe: "Era para mi la vida entera . . . " (9), acercándonos a la problemática de Nélida Fernández, la Nené, y el amor de su vida Juan Carlos Etchepare. Con una nota fúnebre que dá aviso de la muerte de éste es como Nené logra tener un pretexto para establecer un nexo con el recuerdo de su primer amor. Nené inicia su comunicación por medio de cartas con la señora Leonor Saldívar de Etchepare, madre del difunto. A través de las misivas expresa su amor hacia su hijo Juan Carlos, su nostalgia por él, en contraste con lo rutinario de su vida actual al lado de su esposo e hijos. Llega incluso a enviarle un recorte de una fiesta de primavera, ocurrida once años atrás (1936). Así el tango "Cuesta abajo" prosigue: "como un sol de primavera mi esperanza y mi pasión. . . . Ahora cuesta abajo en mi rodada las ilusiones pasadas ya no las puedo arrancar . . . " (130). Para enfatizar aún más la importancia del amor, y en el caso de Nené, del amor frustrado, encontramos incluído en el texto de esta entrega la descripción de otro tango que también versa sobre la misma cuestión. El amor y la desesperanza al perderlo es yuxtapuesto en tres niveles: epígrafe, personaje y texto. Nené mediante estas cartas intenta volver a un amor que quedó atrás, recuerdo que llena sus horas vacías ya que le dá sentido a su vida. Añoranza que está presente hasta en el instante mismo de su muerte, ocurrida veintiún años atrás después de aquella primera carta enviada a doña Leonor. Con el epígrafe de la decimosexta entrega, "Sentir que es un soplo la vida, que veinte años no es nada, que febril la mirada te busca y te nombra . . . " (250), se exalta la preponderancia del tema del amor frustrado en la vida de Nené y en el tango mismo.
Pero el amor también tiene su opuesto en el tango y en el relato. El engaño, "la traición calificára drásticamente el letrista" como nos la describe Carlos Zubillaga en su obra Carlos Gardel (26), cuya consecuencia fatal es el asesinato. La noche acompaña al crímen y al tango también. Así al pie de la doceava entrega, se lee el epígrafe "fue centinela de mi promesa de amor . . . " (181), mismo que confirma a Antonia Josefa Ramírez, Rabadilla, como testigo de la infidelidad de su novio Pancho, padre del niño Francisco Ramírez. Rabadilla cegada ante tal descubrimiento asesina al traidor. Crimen que consta en el acta policiaca que reza: "Antonia Josefa Ramírez de 24 años de edad, confesó haber dado muerte al suboficial de policia Francisco Catalino Páez con una cuchilla de cocina." (186). El engrupio, el engaño, es motivo de violencia y castigo. Ese amor no correspondido es sujeto a la mentira y a la muerte.
Dentro del repertorio del tango sobresale un tema vital: el del tiempo y de su inexorable paso. Este cubre de nostalgia el amor frustrado, envuelve con su halo de tristeza la juventud perdida, los años mozos, llena los días solitarios de recuerdo y dolor. Rossler nos confirma lo anterior en Protagonistas del tango al explicar que los compositores de este género musical "no rehuyen al tema de la nostalgia o el dolor, simplemente porque son temas eternos y el negar su uso sería tanto como enjuiciar sus propias vivencias" (53).
Así pues la nostalgia es un tema recurrente en el tango y en Boquitas pintadas, presentándola en ésta como la evocación del recuerdo que permite a los personajes de Vallejo escaparse de una vida sombría y gris. En la entrega número trece, el epígrafe "las horas que pasan ya no vuelven más" (195) afirma lo anterior, a su vez el texto nos proveé de una mayor penetración al respecto al platicar Mabel y Nélida sobre sucesos ocurridos cinco años atrás, para añadir finalmente: "Nené dicen que todo tiempo pasado fue mejor. ¿Y no es verdad?" (197). Y de este modo la nostalgia las sume en lo imposible del recuerdo: recuperar lo perdido.
Continuando con la tónica de Borges en cuanto a que "tangos de odio, tangos de burla y de rencor se escribieron . . . " (160), encontramos que Boquitas pintadas hace caso a esta referencia, al incluir en sus páginas el tema del odio materializado en Celina, y su consecuente: la venganza. Celina Etchepare siente un gran rencor hacia Nené, la culpa de ser la causante de la enfermedad de su hermano Juan Carlos; el rencor adquire una tonalidad más grave aún, el odio, a la muerte de éste. Celina decide burlarse de Nené y durante el carteo establecido con ella simula ser doña Leonor, la respondiente de las cartas, y de este modo junta una serie de misivas con múltiples alusiones acerca del amor de Nené por Juan Carlos y del desprecio que ésta siente hacia su vida familiar. Finalmente la venganza adquiere a su vez forma de anónimo que Celina dirige a Massa, esposo de Nené: "Aquí le mando estas cartas para que se entere de quien es su esposa. Ella a mi me hizo un gran mal y no voy a dejar que se lo haga a usted o a quien sea, sin recibir el castigo que le merece." (235).
En lo relativo a la orientación sexual que tiene el tango y que también se presume en Boquitas pintadas Puig nos desengaña con un texto que muestra un rechazo ante áquel y que cuestiona la voracidad del hombre de este medio. El gígolo Juan Carlos y el compadrito Pancho encuentran la muerte como resultante de su apetito sexual. Así vemos como la enfermedad de Juan Carlos se acentúa al salir en el frío de medianoche a buscar los placeres del sexo, para sucumbir tiempo después a la muerte. Pancho también encuentra la misma suerte pero en las manos de Rabadilla quién empuñando una cuchilla de cocina dá termino a su vida y a sus aventuras sexuales.
La índole sexual del tango incluye como protagonista principal al hombre. Este es el eje de la danza, la inicia, la termina, parece bailar en el cuerpo de la mujer. Boquitas pintadas parece contener la misma tónica solo para deshecharla con una nueva propuesta: el hombre protagonista desaparece para dar cabida a una mujer evolucionada y madura. Puig utiliza a Juan Carlos y a Pancho para evidenciar una atrofia en el desarrollo de las personalidades masculinas, reduciendo a sus personajes a la muerte. Autores como Jorge Panesi y Alejandro Bernal entre otros,observan el fracaso de los protagonistas masculinos en diversas obras de Puig, por lo que Juan Carlos y Pancho no resultan una excepción y mucho menos al ser modelos de una ideología machista como lo es el tango.
Si, las similitudes entre el tango y Boquitas pintadas son muchas: los temas, los personajes, incluso la danza parecen mantener una relación simbiótica entre el género musical y el texto que nos ocupa. El mundo del tango y el de Boquitas pintadas parece fundamentarse en los mismo conceptos. Sin embargo la realidad es otra, muy diferente a aquella que se nos presenta a simple vista. Puig utiliza un elemento de la cultura popular, el tango, para contradecirlo. Se acerca a la ideología que éste ofrece para simular la analogía que diversos autores señalan, pero es en la postura que adopta frente a ésta que nos arroja su antonomía. Puig cuestiona las propuestas del tango ofreciendo una nueva actitud respecto de sus componentes: temas, personajes y orientación adquieren una significación diferente. Puig derriba la idealización temática del tango al proponer que : una mujer puede tener una vida tranquila al lado de su esposo y sus hijos y que el recuerdo del primer amor es solo eso y no la desgarradora angustia que sugiere el tango. El presente a diferencia del tango es mejor que el pasado puesto que es estable y satisfactorio y no humillante y cruel. El engaño no desata los celos del engañado sino que evidencía la injusticia del traidor, la mujer deja de ser víctima. La venganza no destruye una relación amorosa; por el contrario, la reafirma.
En cuanto a los personajes, éstos dejan de ser los modelos idealizados por el tango. El gígolo, símbolo de lo viril, del machismo, encuentra la muerte a causa de su debilidad sexual. El compadrito abrumado por su complejo de identidad imita a un modelo negativo con consecuencias mortales. Se repudia a la mujer que actúa como objeto sexual, condenando su frivolidad. La percalera derriba el estigma de la madre soltera y de posición humile para lograr una vida feliz.
La índole sexual del tango es enfrentada al considerarse a los personajes masculinos como seres truncados, sin capacidad de maduración, sujetos a una pulsión que les provoca la muerte: la sexual.
Finalmente, lo que sí es evidente es la postura de Puig hacia la ideología determinista y machista del tango. Puig hace uso de los elementos del tango para acercarnos a una reflexión de los valores, ideas, modelos contenidos en este género de la cultura popular, desnudándolos de su matíz sentimental y objetivizándolos a través de las diversas perspectivas que de estos ofrece, dejando el último juicio en manos del lector.
"Vos sos loco, ¡Viví el momento! , ¡Aprovechá! , ¿Te vas a amargar la comida pensando en lo que va a pasar mañana? -No creo en eso de vivir el momento, Molina, nadie vive el momento. Eso queda para el paraíso terrenal".
Frankenstein (título completo: Frankenstein o el moderno Prometeo) es una obra literaria de la escritora inglesa Mary Wollstonecraft Shelley. Publicado en 1818 y enmarcado en la tradición de la novela gótica, el texto explora temas tales como la moral científica, la creación y destrucción de vida y la audacia de la humanidad en su relación con Dios. De ahí, el subtítulo de la obra: el protagonista intenta rivalizar en poder con Dios, como una suerte de Prometeo moderno que arrebata el fuego sagrado de la vida a la divinidad. Es considerado como el primer texto del género Ciencia Ficción.
Durante el verano boreal de 1816, el año sin verano, el hemisferio norte soportó un largo y frío "invierno volcánico" debido a la erupción de Tambora. Durante este terrible año, Mary Wollstonecraft Shelley y su marido Percy Bysshe Shelley hicieron una visita a su amigo Lord Byron que entonces residía en Villa Diodati, Suiza. Después de leer una antología alemana de historias de fantasmas, Byron retó a los Shelley y a su médico personal John Polidori a componer, cada uno, una historia de terror, que dicen salió de una pesadilla sufrida por ella días después. De los cuatro, sólo Polidori completó la historia, pero Mary concibió una idea: esa idea fue el germen de la que es considerada la primera historia moderna de ciencia ficción y una excelente novela de terror gótico. Pocos días después tuvo una pesadilla o ensoñación y escribió lo que sería el cuarto capítulo del libro. Se basó en las conversaciones que mantenían con frecuencia Polidori y Percy Shelley respecto a las nuevas investigaciones sobre Luigi Galvani y de Erasmus Darwin que trataban sobre el poder de la electricidad para revivir cuerpos ya inertes.
También es interesante señalar que Byron se las arregló para escribir un fragmento basado en las leyendas sobre vampiros que había escuchado durante sus viajes a través de los Balcanes. Polidori utilizó este fragmento para crear la novela "El Vampiro" en 1819, que es también la primera referencia literaria de este subgénero del terror. Así que, en cierta manera, los temas de Frankenstein y el vampiro fueron creados más o menos en la misma circunstancia.
Para la consecución final de su obra Mary recurrió a su amado Percy para que le ayudara en sus errores gramaticales y en la fluidez del texto en 1817, en su estancia en Marlow. En 1831 Mary llegó a reescribir la obra entera, algo que ya tenía pensado desde 1818.
Gracias al manuscrito original encontrado en la Biblioteca Bodleiana de la Universidad de Oxford se pudo realizar la edición de la obra original, sin intervención de Percy Shelley, al que por otra parte habría que reconocer la coautoría de la edición de 1818. Por tanto tenemos tres ediciones de la obra: la original de 1817, la modificada de 1818 con la ayuda de Percy Shelley, y la reescrita en 1831. La edición original se muestra más descarnada y dura. Poco después de Frankenstein hubo varios relatos que utilizaban la inmortalidad como argumento, como el relato vampírico titulado El esqueleto del Conde o La amante vampiro, en donde el Conde revive a una fallecida muchacha utilizando la electricidad. Esta obra fue realizada por Elizabeth Caroline Grey, según investigaciones de Peter Haining.
Respecto al personaje del doctor Frankenstein cabe señalar que una referencia fue el científico amateur Andrew Crosse. Mary Shelley conocía las actividades de Crosse, contemporáneo suyo, a través de un amigo común, el poeta Robert Southey. Andrew Crosse solía experimentar con cadáveres y electricidad (en aquel entonces una energía apenas estudiada y rodeada de un halo de misterio y omnipotencia). El 28 de diciembre de 1814 Mary asistió, junto a su esposo, a una conferencia del extravagante científico. En ella le conoció personalmente y extrajo muchos datos acerca de la forma en la que afirmaba crear vida a partir de la electricidad. En 1807, Crosse había empezado el experimento de creación de vida a partir de "electro-cristalización" de materia inanimada. El mismo año afirmó haber creado pequeñas criaturas en forma de insectos que lograban andar y desenvolverse por sí mismas: "el insecto perfecto, de pie sobre unas pocas cerdas que formaban su cola". El científico nunca llegó a explicar el supuesto fenómeno como así reconocería más adelante.
En 1807 había consenso científico respecto a descartar la generación espontánea como origen de la vida, si bien la esterilización de las muestras no era una práctica extendida ni seguramente conocida por un experimentador sin formación. Muy probablemente Crosse sólo criara pequeños insectos a partir de huevos depositados en su "materia inanimada".
La dura oposición a Crosse no sólo fue científica sino religiosa y optó por retirarse a la soledad de su mansión de Fyne Court. Los estamentos eclesiásticos consideraron a Crosse un ser endemoniado. Se llegó al extremo de que el reverendo Philip Smith tuvo que celebrar una serie de exorcismos en todas las propiedades de Andrew Crosse, en sus equipos de trabajo y sobre su propia persona. Crosse se volvió huraño y desconfiado, aunque continuó investigando. Sin embargo el 26 de mayo de 1855 tuvo un ataque de parálisis del que nunca se recuperó. El 6 de julio del mismo año falleció. La mansión de Fyne Court fue pasto de las llamas, y con ellas se fueron el laboratorio y los archivos del hombre que afirmó haber creado vida.
La novela se subtitula "El moderno Prometeo", sugiriendo de esta manera la principal fuente de su inspiración. Una de las obras favoritas de Byron era la obra teatral de Esquilo, y el propio Percy Shelley escribió sobre el tema. Prometeo también se presenta a veces como el escultor de la humanidad, un titán que, según explicaría esta leyenda, creó al hombre a partir de la arcilla. La novela no es una simple reescritura del mito clásico, ya que, a diferencia del titán, el moderno Prometeo no es castigado por los dioses, sino por su propia creación. En cierto sentido, el de Prometeo es otra elaboración del mito de diferenciación entre la humanidad y la naturaleza, por el conocimiento y la técnica, y el castigo que ello conlleva, y tiene conexiones con la idea bíblica del demonio. La descripción de la criatura realizada por Mary Shelley se nutre directamente del personaje de Satán en el "Paraíso perdido" de John Milton (uno de los hitos en la historia de la literatura británica, muy valorado por los intelectuales de principios del siglo XVIII).
En cierta forma Frankenstein es una alegoría de la perversión que puede traer el desarrollo científico; concebido y escrito durante las fases tempranas de la revolución industrial, una época de cambios dramáticos, detrás de los experimentos de Víctor Frankenstein está la búsqueda del poder divino: ¿qué mayor poder que el propio acto de creación de la vida? Así, el total desprecio que muestra Frankenstein por la naturaleza puede ser considerado como símbolo de las fuerzas imperiosas que desata el permisivo capitalismo naciente, que no respeta la dignidad básica del ser humano. De hecho, la rebelión de la criatura contra su creador es un claro mensaje del castigo que deriva del uso irresponsable de la tecnología, siendo el mal sólo una consecuencia imprevista de éste uso. Otra lectura del texto descubre en él una alegoría del embarazo y de los miedos frecuentes que las mujeres tenían en tiempos de Shelley de que el nacimiento acarrease consecuencias fatales para la madre o para los fetos prematuros. Esta interpretación se sustenta en el hecho de que Mary Shelley había tenido un parto prematuro poco antes del verano de 1816. Así, al igual que Mary, Víctor estaría obsesionado por la idea de que la criatura escapara a su control y pudiera ejercer el libre albedrío en un mundo que le afectaría de una u otra manera. Se argumenta a favor de este análisis que el personaje de Víctor teme, durante gran parte de la novela, que la criatura pueda destruirle asesinando a todos los que él más quiere y aprecia.
El nombre de Frankenstein probablemente alude al pueblo del mismo nombre (entonces alemán, hoy en Polonia), donde se extraía plata y oro con nuevos procedimientos químicos que comportaron importantes problemas de salud. Otra teoría sostiene que refiere a un castillo cercano a Darmstadt, donde un notorio alquimista, llamado Johann Conrad Dippel, hizo algunos experimentos con cuerpos humanos. Mary Shelley habría conocido el castillo durante su viaje a Suiza.
La elección de la Universidad de la ciudad bávara de Ingolstadt como escenario de los experimentos de Víctor Frankenstein bien puede responder a la fama que tenía su departamento de medicina alrededor de 1800, año en el que fue cerrado. También se suele señalar que la sociedad secreta de los "Illuminati" fue fundada en esta ciudad y que Percy Shelley era miembro de dicha organización. De hecho, la alquimia era muy popular entre los románticos en aquella época y en el entorno de los Shelley. Por otra parte, era una idea corriente que la humanidad podía llegar a insuflar la chispa de la vida en la materia muerta.
VERSIÓN CINEMATOGÁFICA
Frankenstein (1931) es una película, dirigida por James Whale, basada en la novela Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley. Está protagonizada, entre otros, por Boris Karloff y Colin Clive. La secuela está dirigida por el propio Whale.
Hay algo muy significativo en el film, es cuando Henry da vida a la criatura, y totalmente exaltado grita: "Por Dios, ahora se lo que se siente al ser Dios".
La película tuvo un éxito arrasador en Estados Unidos. En Inglaterra se estrenó con numerosos cortes, y en países como Suecia, Italia o Checoslovaquia no se permitió su estreno. La secuela de ésta, La novia de Frankenstein (1935), no solo está a la misma altura sino que incluso llega a superarla..
"La vida y la muerte me parecen límites ideales.
Es difícil creer que el destino de un hombre sea tan bajo que le lleve a nacer sólo para morir".
Drácula es una novela de terror de 1897 escrita por el irlandés Bram Stoker sobre el Conde Drácula, un vampiro que viaja desde Transilvania a Londres y un grupo de personas que tratan de detener sus planes de someter al mundo. Drácula es el más famoso de los «vampiros humanos». Se dice que Stoker fue asesorado por un erudito en temas orientales, el húngaro Hermann (Arminius) Vámbéry, que se reunió algunas veces con el escritor para comentarle las peripecias del verdadero Drácula.
Drácula ha sido incluido en varios géneros literarios, como novela vampírica, de terror o gótica. Se estructura en forma epistolar, es decir, a modo de cartas o diarios, entre otros. Los críticos literarios encontraron diversos temas en la novela, como el papel de la mujer en la cultura victoriana, la sexualidad convencional y conservadora, la inmigración, el colonialismo, postcolonialismo y el folklore. Pese a que Stoker no inventó la leyenda del vampiro, la influencia de la novela en la popularidad de los vampiros ha sido notable, llevando estas historias al teatro, el cine y la televisión desde la fecha de su publicación.
Stoker se inspiró en la figura histórica de Vlad Tepes, príncipe de Valaquia (hoy sur de Rumania) durante el siglo XV. Nació en la ciudad burgo-rumana de Sighişoara (Transilvania), en noviembre de 1431 y murió en batalla en diciembre de 1476 cerca de Bucarest. Gobernante de carácter volcánico e impredecible, fue el más duro de todos los gobernantes de Europa Oriental en el siglo XV. Para algunos fue un heroico defensor de los intereses e independencia de su país, y un dueño justiciero. De Vladislaus III, voivoda de Valaquia, se cuentan numerosas historias y leyendas. Fue rehén de los invasores otomanos hasta los diecisiete años de edad, cuando logró tomar el trono de Valaquia, del cual fue depuesto poco tiempo después. Sin embargo, en 1456, tras la Batalla de Belgrado, Vlad ascendió de nuevo al trono, tras matar a su contrincante Vladislav II, y ya no lo abandonó hasta 1462.
Después vivió en el exilio hasta 1474, momento en que se lanzó de nuevo a la batalla para recuperar el cargo, lo que conseguiría en 1476. Sin embargo, en diciembre de este año caería luchando contra los turcos, rodeado de su leal Guardia Moldava. También es conocido como Vlad III o Vlad el Empalador, pero de todas sus denominaciones, la más reveladora en lo que al origen del personaje respecta, es Vlad Draculea, nombre heredado de su padre, Vlad Dracul, quien se lo ganó al prestar juramento a la orden del Dragón. Vlad III tenía la costumbre de empalar vivos a sus opositores y prisioneros de guerra (de ahí "el Empalador"), llegando incluso a crear "bosques" de 30.000 lanzas con cuerpos inertes. Sin embargo, la práctica que inspiró a Stoker era la supuesta costumbre de recoger la sangre de sus víctimas que caía a través de las lanzas en una copa para beberla.
VERSIÓN CINEMATOGÁFICA
Drácula (mejor conocida como Drácula, de Bram Stoker) es una película estadounidense de los géneros de terror y romance, rodada en 1992 por el director Francis Ford Coppola y escrita por James V. Hart, basándose en la novela Drácula, original de Bram Stoker.
Fue producida por Columbia Pictures. El reparto cuenta con Gary Oldman, (interpretando el papel del conde Drácula), Keanu Reeves, Anthony Hopkins y Winona Ryder. La banda sonora fue compuesta por Wojciech Kilar, pero su tema final, Love Song for a Vampire (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox. La película tuvo una buena acogida por el público, y obtuvo 4 nominaciones a los premios de la Academia en 1993, de los que ganó tres: Mejor diseño de vestuario, Mejor Maquillaje y Mejor edición de sonido.
Esta película es una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero está considerada como su adaptación oficial, ya que es la película más fiel a la novela, además de introducir en ella a personajes que nunca se adaptaron en versiones anteriores como Quincey P. Morris, o Arthur Holmwood.
La historia nos relata la historia del conde Drácula, un antiguo voivoda y líder de un gran ejército valaco, que reside en un viejocastillo de los Cárpatos, en Transilvania. El conde es un no muerto, es decir, un vampiro, cuyo único alimento es la sangre humana. Este ser tiene el poder de manejar a su antojo la fauna de la naturaleza, poder convertirse en niebla, volar, e incluso adaptar la forma de un murciélago o un lobo. En esta película, se nos muestra un Drácula más romántico que monstruoso, ya que vemos como pierde a su amada trágicamente y después se enamorara perdidamente de Mina Harker, y vemos como ambos entran en una profunda historia de amor platónico.
La película cosechó un gran número de espectadores, que harían que su recaudación fuese de 215.862.692 dólares por todo el mundo. Este sería el retorno al éxito del director Francis Ford Coppola, y también su salvación financiera, ya que se encontraba en problemas económicos debido a películas de elevado coste pero escaso beneficio como El Padrino III y Apocalypse Now.
"En el caso del vampiro que nos ocupa, todas las fuerza ocultas de la naturaleza, profundas y poderosas, deben haberse unido de alguna forma monstruosa".
Julio Cortázar nació en Bruselas el 26 de Agosto de 1914, de padres argentinos. Llegó a la Argentina a los cuatro años. Paso la infancia en Bánfield, se graduó como maestro de escuela e inició estudios en la Universidad de Buenos Aires, los que debió abandonar por razones económicas. Trabajó en varios pueblos del interior del país. Enseño en la Universidad de Cuyo y renunció a su cargo por desavenencias con el peronismo. En 1951 se alejó de nuestro país y desde entonces trabajó como traductor independiente de la Unesco, en París, viajando constantemente dentro y fuera de Europa. En 1938 publicó, con el seudónimo Julio Denis, el librito de sonetos ("muy mallarmeanos", dijo después el mismo) Presencia. En 1949 aparece su obra dramática Los reyes. Apenas dos anos después, en 1951, publica Bestiario: ya surge el Cortázar deslumbrante por su fantasía y su revelación de mundos nuevos que irán enriqueciéndose en su obra futura: los inolvidables tomos de relatos, los libros que desbordan toda categoría genérica (poemas-cuentos-ensayos a la vez), las grandes novelas: Lospremios (1960), Rayuela (1963), 62/Modelo para armar (1968), Libro de Manuel (1973). El refinamiento literario de Julio Cortázar, sus lecturas casi inabarcables, su incesante fervor por la causa social, hacen de él una figura de deslumbrante riqueza, constituída por pasiones a veces encontradas, pero siempre asumidas con él mismo, genuino ardor. Julio Cortazar murió en 1984 pero su paso por el mundo seguirá suscitando el fervor de quienes conocieron su vida y su obra.
"Yo creo que desde muy pequeño mi desdicha y mi dicha al mismo tiempo fue el no aceptar las cosas como dadas. A mí no me bastaba con que me dijeran que eso era una mesa, o que la palabra "madre" era la palabra "madre" y ahí se acaba todo. Al contrario, en el objetomesa y en la palabra madre empezaba para mi un itinerario misterioso que a veces llegaba a franquear y en el que a veces me estrellaba.
En suma, desde pequeño, mi relación con las palabras, con la escritura, no se diferencia de mi relación con el mundo en general. Yo parezco haber nacido para no aceptar las co- sas tal como me son dadas".
Julio Cortázar
"Comercio", "La conservación de los recuerdos", "Continuidad de los parques", "Instrucciones para dar cuerda al reloj", "El canto de los cronopios", "No se culpe a nadie", "Progreso y retroceso", son algunos de los cuentos que encontrarás siguiendo el enlace. Disfrutalos!http://es.scribd.com/fullscreen/51768193?access_key=key-1sgh045dbt9c69r51qp9
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